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„Frail Lumber“ stellt das neueste   Scott Fields Ensemble vor, nun mit gleich zwei E-Gitarren (die andere spielt Elliott Sharp), Daniel Levin und Scott Roller, cello, Axel Lindner und Mary Oliver, v, und Jessica Pavone und Vincent Royer, viola, und zwar in fünf Stücken, von denen vier zwischen 15 und 19 Minuten lang bzw. lang ausfallen. „Ziricote“ dürfte ähnlich entstanden sein wie die Stücke damals auf „Fugu“, mit notierten Vorgaben, über die zunehmend freier improvisiert wird. Auch hier wieder fasziniert, dass man bei Fields immer den Eindruck hat, es mit sehr wohl konstruierten „Formen“ des Abstrahierens zu tun hat. Das wird im zentralen Werk „Paulownia“ besonders gut erkennbar, in dem eine Gitarre und dann ein gezupftes Cello zeitweilig für laufbassähnliche Linien sorgen, die in ihrer rhythmischen Beständigkeit den Zusammenhalt des Ensembles sichern. Das ist keine Konzession, sondern das entspricht ziemlich genau dem Ort, an dem Scott Fields sich offenkundig am wohlsten fühlt und auch, als Komponist wie als Musiker, am besten ist: wenn er den Kreis schließt, in dem freier Jazz und moderne Kammermusik eins werden. Er ist halt der mild maniac unserer Tage. Immer Poet, nie Anarchist. — Alexander Schmitz,   Jazz Podium



»Blahblahblah« steht auf der Website   von Scott Fields als Überschrift zum Thema ausführliche Biografie. Ist einem natürlich gleich sympathisch, wenn sich jemand nicht ganz so wichtig nimmt. Vor allem dann, wenn sich diese Biografie durchaus spannend liest. Vom »Spotter« für Drogendealer (die Kindheit und Jugend in Chicago) über den eher schrillen Einstieg in die Rockmusik (zunächst) bis hin zur Übersiedlung nach Köln, wo Fields mittlerweile eine ziemlich gut gesettelte Figur in der einschlägigen Szene sein dürfte. Renommierte Namen wie Frank Gratkowski oder Carl Ludwig Hübsch tauchen da auf, echte Kapazunder, die sich mit hörbarer Spielfreude in dieses frei und doch nicht frei improvisierende Großensemble unter Dirigent und Komponist Scott Fields einfügen. Worum aber geht es? Einmal mehr um moderne, um improvisierte Kammermusik. In dieser und für diese sucht Fields nach Strukturen (früher regelrecht »besessen«), ohne dabei den Terminus »post-free« überstrapazieren zu wollen. Trotzdem trifft es das ein wenig. Sowohl das Multiple Joyce Orchestra wie auch das Ensemble musizieren frei (ergo atonal, dissonant, mitunter eruptiv) wie auch nach vorgegebenen Strukturen, die aber die Improvisationen maximal harmonisch oder motivisch lenken, keinesfalls konkrete Tonfolgen vorgeben. Fields Stücke können also je nach Aufführung ziemlich verschieden klingen — wobei davon ausgegangen werden kann, dass es keine Aufführung gibt, bei der alle Musiker plötzlich nur wohlgefällige Harmonien spielen. (Warum eigentlich nicht? Weil das nicht »post-free« wäre?) Hier beißt sich die Konzertkatze letztlich in den improvisierten Schwanz, denn trotz der durchaus elegant und effizient eingeführten Strukturen (das Ensemble wird etwa durch den Einsatz bzw. das Wechselspiel zweier E-Gitarren gewissermaßen formatiert) verschütten die genretypischen Disharmoniekaskaden mitunter das fragile Netz des Kompositorischen. Zu einschlägig, zu redundant, zu wenig nach individuellem Ausdruck klingt dieses freie Gewusel, so dass man beim Hören immer wieder von einem disharmonischen … tja … eben … »Blahblahblah« erschlagen wird. Fields selbst versteht seine Kompositionen als »explorativ«, als Entdeckungsreisen für Komponist und Musiker gleichermaßen. Als Hörer muss man entsprechend die Bereitschaft mitbringen, wirklich zu entdecken und nicht bloß Gewohntes wiederzufinden. Das ist nur zu unterschreiben. Leider sind eben viele Hörresultate der frei improvisierten Musik zu einem ebensolchen Gewohnten geworden. Da würde man sich frei nach John Cage anstelle freier Improvisationen lieber frische Improvisationen wünschen. — Curt Cuisine,   Skug



J'ai beaucoup aimé ce disque   que l'on ne peut classer dans le jazz à proprement parler. Il s'agit de “nouvelles musiques”. Nous sommes dans l'avant-garde avec des résonances à la musique classique contemporaine. L'ensemble à cordes (2 violons, 2 altos, 2 violoncelles, 2 guitares électriques) réunit des musiciens expérimentés habitués de travailler dans un contexte de composition et d'improvisation (Axel Lindner, Mary Oliver, Jessica Pavone, Vincent Royer, Daniel Levin, Scott Roller, Elliott Sharp, Scott Fields). Cinq morceaux (dont quatre assez longs) aux ambiances variables. C'est parfois angoissant, grisant, électrisant. De belles explorations sonores où la guitare électrique apporte une bonne couche de muscle là où les cordes glissent à souhait. Musique dramatique, sèche, mais gratifiante! — Maxime Bouchard,   Dans Journal d'écoute



Of all atrocities committed by  Hurricane Sandy, none was so vile as the confiscation of my Promising, Soon-to-Review stack of submitted CDs. These diamonds-in-the-rough waiting to be polished into gemstones by this skilled evaluator’s praise were stored at the ready by my writing desk. The unforgiving storm surge swept away these pearls, leaving behind only muck, some in the form of flood detritus and some, much more distressingly, in the form of the Clearly-Not-Fit-to-Hear, Avoid-Reviewing submitted CDs that accumulate in far corner of my crawl space, which the waters, unfortunately, could not penetrate.

You, my loyal reader, have undoubtedly noticed that my usually supportive writings, sprinkled only occasionally with instructions for how musicians can improve, have been recently markedly less positive. Immediately Post-Sandy the usual quality product could still be supplied as Swingin’ Thing Magazine and other fine publications burned through their Hugh Jarrid back stock. Then the castor oil had to be swallowed and the wrongly spared recordings endured.

When the least objectionable objects had passed through my analytical alimentary canal and I had flushed the (necessarily correction-packed) judgments to my editors, I pinned my nose, lit incense, and steeled myself to endure what I knew would be the stinkiest poostick of the surviving chaff: Scott Fields’ Frail Lumber on the Portuguese label NotTwo Records. Fields and I do have a history as recalcitrant subject and frustrated nurturer. But Fields has resisted my best-intended critical coaching and continues to excrete concepts that leave me chugalugging Pepto-Bismol.

My eye was immediately drawn to the presence of eight names on the CD jacket cover. On Fields’ preceding release, Merzbow Oslo, on the same label, the ensemble included 25 members, who almost entirely drowned out the leader’s pathetic plunking. My mind was dragged screaming back in time to Fields’ previous octet release, 48 Motives, in which his playing was almost equally unobtrusive. (Best of all, naturally, was the trio outing Bitter Love Songs, for which Fields employed superior axe-wielder Joe Morris to ghost-pluck the guitar parts, a ploy for which I praised him in a previous review.)

With trepidation I tore away the package’s plastic protection (if only it protected the potential patron and refused to yield) to gain access to the liner notes, often a music scribe’s only useful source of information. My eyes snapped immediately to the angelic profile of the Italian violinist, Jessica Pavone. This hot mamamia can stroke my G-string any time she wants. Once I had taken a few minutes to relieve my Pavone-induced tension, I reexamined my package. To my shock and horror, there were, count them, 4 violins, 2 violoncelli, and 2 guitars. In virtually all cases that is far too high of percentage of strings to jazz instruments for a proper jazz recording. Sure, Wes Montgomery’s and Charlie Parker’s finest outings including full string sections, but “section” is the operational word. The string SECTION is restricted to filling the spaces the soloists leave behind. My fear was that Fields had unleashed these strings, forcing them to run wild with individualistic idiomatic ideas and singular solos. Alas, the interior revealed only the Pavone pinup marred by the other musicians and, apparently, photoshopped pre- and post-SlimFast images of the leader. Certain that the liner notes appeared on an independently inserted sheet, I digitally probed the packaging and found only the disc. The notoriously tightwad label had stiffed the consumer by refusing (perhaps afraid of what might be said of the music) to hire an evaluator to write liners.

I was left with no option but to listen unprepared. My worst fears were soon realized. Strings crammed every cranny. Any musician on a Fields recording struggles to overcome cockeyed chaos to coordinate with colleagues. And here the kookiness was compounded by contrariness to what all string players have beaten into them from their first Suzuki class: it is necessary to play in unison. My heart goes out to these victims of Fields inconsideration as they suffer through long stretches of string-norms-stopping stench before arriving at tutti sections, such as near the end of “Bubinga.” By the time the musicians reach these mercifully mucilaginous movements they are too weary to maintain a dependable dynamic. The recording’s one positive characteristic is that the guitar playing is not as wrenched as on previous Fields titles (save that of on the previously mentioned Morris three-card-Monte gambit). Safe to assume that the other credited pick-poker, Eliot Sharp, overdubbed both guitar parts.

My recommendation: If you want lots of strings, look for classics such as Bird with Strings. If you insist on hearing strings attempt to swing, find examples in which a hot rhythm section steers the should-be-classical instrumentalist toward a groove. And if you want to hear the sound of cat guts being removed from living animals, find a copy of Frail Lumber at your local used record store where it has undoubtedly been deposited after a single partial listen. — Hugh Jarrid,   Swingin’ Thing Magazine



Les cordes de Scott Fields   ont de la suite dans les idées et le sens des hautes voltiges. Leur nature première se nomme inquiétude, leur seconde dissonance. Elles ne savent que se mêler et pulvériser le contrepoint naissant. Ces cordes disent la menace et la désorganisation. Elles activent de bien étranges circulations: lignes fuyantes en transit (Ziricoté), masse hurlante ne trouvant jamais d’échappée (Koa), basse continue brésillée par de bruitistes guitares (Paulownia), archets hurlants de terreur (Cocobolo), entorses fulminantes (Bubinga). Ici, l’alphabet du désagréable trouve son idéal dictionnaire.

Ces cordes saillantes et cisaillantes, oppressantes, menaŤantes, le sont grâce à Mesdames Jessica Pavone et Mary Oliver & Messieurs Scott Fields, Daniel Levin, Axel Lindner, Scott Roller, Vincent Royer et Elliott Sharp. On souhaite vivement les réentendre. — Luc Bouquet,   Le son du grisli



Scott Fields’ penchant for overlaying   antithetical forms of instrumental action — typically involving cross-pollinations of improvised sections and more composed structures — finds one of its peak expressions in Frail Lumber, a project carried on with the aid of a string ensemble featuring cellists Daniel Levin and Scott Roller, violists Jessica Pavone and Vincent Royer, violinists Alex Lindner and Mary Oliver plus Elliott Sharp on guitar as well as the leader. The group’s partitioning in four twos of equal instruments is obvious, but this does not imply separation between the parts or disorganized and fragmented music. The five chapters — a total of about 67 minutes — appear in fact as mutating aggregates of harmonic question marks where, in turn, beauty of timbre, displacement of pulse and a general disinclination to follow pre-set strides acquire importance depending on the participants’ instinctive gestures and choices.

Speaking of which, Fields did give instructions to the performers while setting their decisions and respective sensibilities within a looping fabric where — by wordlessly nodding at certain points — everyone can “invite” other members to join the circumstantial happenings with on-the-spot phrases and movements that help the agglomerative flow to remain complex in relative stability. The composer calls this procedure a “fancy cueing system”, but the lightness of the definition is inversely proportional to the gravity of the resulting music. We remain affected by the awesome electro/acoustic chromaticity, by alternating relative quietness and gradually mounting nervousness, and especially by how effectively a procedure that might potentially lead to untidy scenarios consolidates instead the musicians’ diverse voices and personalities into a cohesive unit. The wealth of involuntarily synchronic sketches even permits the camouflaging of melodic snippets amidst shifting accumulations of tension, as evidenced by the opening moments of “Paulownia” (all titles refer to types of woods and/or trees).

Make no mistake: this is not an album for enticing an unsuspecting partner during a candlelight dinner. But it’s definitely one of the Cologne-based Chicagoan’s finest ever releases. — Massimo Ricci,   The Squid’s Ear

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